Oswaldo Guayasamin (1919-1999) er en av de viktigste kunstnerne i Latin-Amerika, hvis arbeid har blitt utstilt i de mest fremtredende salene i verden. Hans kunst har en dyp urfolksfølelse med en ideologisk og billedlig holdning som er karakteristisk for det amerikanske kontinentet: sosial realisme..
Guayasamín ble født i Quito og trent under tradisjonelle kunstkanoner, og brøt med disse ordningene for å fange virkeligheten til urfolkene i Latin-Amerika som led undertrykkelse, samt angrepene fra kolonien og misforståelse..
Med en ekspresjonistisk stil ble kreasjonene til denne ecuadorianske kunstneren næret av meksikanske muralister når det gjelder uttrykksevne, fargebruk og kraften de overfører, for å gi observatøren følelsen av forfatterens vitale energi og på denne måten gjør din protest kjent.
I tillegg til den innfødte essensen er hans arbeid også preget av å tilegne seg avantgardetrender som kubisme og ekspresjonisme, uten å miste realismen om å vise virkeligheten av volden som han fordømte..
Han gjorde imponerende utstillinger - mer enn 200 individuelle - på de viktigste museene i verden, som i Frankrike, Spania, det tidligere Sovjetunionen, Tsjekkoslovakia, Polen, Mexico, Chile og Argentina.
Guayasamín har også vært kjent for å få venner med figurer i verdensklasse, som dikteren Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, kong Juan Carlos i Spania, Gabriel García Márquez og Carolina de Mónaco, blant andre som han portretterte..
I 1991 anerkjente Ecuadors regjering kunstnerens produktive arbeid og hans bidrag til verdens kunst, som han bestemte seg for å opprette Guayasamín Foundation, som maleren donerte all sin kreasjon og hans kunstsamlinger til..
Artikkelindeks
Oswaldo Guayasamín ble født i Quito 6. juli 1919 og var den eldste broren i en familie på ti. Hans far, José Miguel Guayasamín, var en urfolk fra Quechua-stammen; mens moren hennes, som gikk under navnet Dolores Calero, var mestizo.
Fra en veldig ung alder viste han sin forkjærlighet for å male ved å lage karikaturer av klassekameratene og ved å lage plakater til butikken som moren drev. I tillegg malte han bilder på pappbiter som han solgte til turister for å betale for studiene..
Til tross for farens faste motstand, registrerte den unge Guayasamín seg på School of Fine Arts i Ecuador, hvorfra han ble uteksaminert som maler og billedhugger i 1941, og fikk også anerkjennelsen for å være den beste studenten i sin klasse..
Bare ett år etter endt utdanning klarte han å holde sin første utstilling i den ecuadorianske hovedstaden. Denne utstillingen ble preget av dens karakter av sosial oppsigelse, noe som vakte stor oppstandelse blant deltakerne og datidens kritikere.
Med den spesielle stilen klarte den unge Guayasamín å fange Nelson Rockefeller, som kjøpte ham flere malerier og støttet ham i fremtiden..
Etter den kontroversielle utstillingen og med støtte fra Rockefeller flyttet Guayasamín til USA, hvor han også stilte ut sine malerier. I løpet av de syv månedene av oppholdet, besøkte han alle museene han kunne for å komme i direkte kontakt med arbeidet til El Greco, Goya, Velásquez og de meksikanske muralistene Diego Rivera og Orozco..
Med pengene han klarte å tjene, reiste han til Mexico for å møte en flott lærer, veggmaleristen Orozco, som, påvirket av talentet hans, lot ham være sin assistent. Under dette besøket møtte han også Diego Rivera og lærte av dem begge teknikken for å male utendørs. I Mexico ble han venn med Pablo Neruda.
I 1945 tok han en betydelig reise: fra Mexico til Patagonia. På denne reisen turnerte han hver by og hver by for å ta notater og tegninger av det som hans første serie med 103 malerier het Huacayñan, som i Quechua betyr "The Way of Crying", hvis tema handler om svart, indianer og mestizo.
På denne måten begynte alt arbeidet hans å dreie seg om urfolketemaet, om undertrykkelse og vold som urfolket var ofre for..
Det monumentale verket Måten å gråte på Det ble laget takket være støtten som Casa de la Cultura ga Guayasamín.
Denne serien ble utstilt for første gang i Quito i 1952 på Museo de Arte Colonial, og samme år i Washington og Barcelona (Spania) under III Bienal Hispanoamérica de Arte. I dette siste arrangementet ble han tildelt Grand Prize for Painting.
I tillegg til å ha monumentale utstillinger i verdens viktigste museer, er Guayasamins verk også til stede i store konstruksjoner.
For eksempel har et venetiansk mosaikkmaleri i glass vært i Centro Simón Bolívar i Caracas siden 1954, som kalles Hyllest til den amerikanske mannen.
For hjemlandet laget han to imponerende veggmalerier i 1958. Den første er Oppdagelsen av Amazonas-elven, også laget i venetiansk mosaikk, som ligger i regjeringspalasset i Quito. Den andre ble laget for juridisk fakultet ved Central University of Ecuador som mottar navnet Menneskets historie og kultur.
I 1982 ble det innviet et veggmaleri på mer enn 120 meter som Guayasamín malte med marmorstøv og akryl på Barajas flyplass i Madrid. Dette monumentale verket har to deler: den ene er viet til Spania og den andre til Amerika.
Hans arbeid er også til stede ved Unesco-hovedkvarteret i Paris og i Sao Paulo. Monumentene pryder også Ecuador: Til det unge hjemlandet er i Guayaquil og Til motstand i Quito.
Takket være sitt produktive arbeid, hans karakter av sosial fordømmelse og hans universelle betydning, mottok Guayasamín mange priser og anerkjennelser for sin karriere.
Hans arbeid er blitt anerkjent over hele verden som et resultat av at han i 1957 mottok prisen for beste maleren i Sør-Amerika, som ble tildelt av biennalen i Sao Paulo, Brasil. Dette markerte konsolidering av internasjonaliseringen.
I 1976 opprettet han sammen med barna sine Guayasamín Foundation for å donere sin kunstneriske arv til Ecuador. Gjennom denne stiftelsen var han i stand til å organisere tre museer: Pre-Columbian Art, Colonia Art og Contemporary Art..
Han ble utnevnt til medlem av Real Academia de Bellas Artes de San Fernando i Spania og æresmedlem av Academia de Artes de Italia. Han ble også utnevnt til visepresident og senere president for Quitos kulturhus i 1973..
Videre var han den første latinamerikanske kunstneren som mottok en dekorasjon fra den franske regjeringen; dette skjedde i 1974.
Han døde 10. mars 1999 uten å fullføre sitt største arbeid., Menneskets kapell, som ble oppfattet av kunstneren som en hyllest til menneskeheten, spesielt til det latinamerikanske folket. Det er et kunstmuseum bygget i Quito som tar sikte på å samle latinamerikansk kunst fra Mexico til Patagonia.
Produksjonen av Guayasamín er markert fra begynnelsen av sin dype urfolksånd, og er lastet med et høyt innhold av sosial fordømmelse. På denne måten var han i stand til å krysse grensene til de tradisjonelle kanonene og bli en av de mest trofaste forsvarerne av urfolket i Latin-Amerika..
For å utvikle sin personlige stil drakk han av innflytelsen fra de meksikanske muralistene, spesielt læreren Orozco. Han var også en glødende eksponent for ekspresjonisme, som ga hele hans skapelse en humanistisk fordel ved å gjenspeile smerten og lidelsen som en god del av menneskeheten led..
På denne måten er Guayasamins verk en del av ekspresjonismens strøm der ekspressiv virkelighet har større betydning uten å forholde seg til ekstern virkelighet, men heller med følelsene som den vekker hos observatøren..
Av denne grunn bekreftet denne maleren at “maleriet mitt er å skade, å klø og slå mot folks hjerter. Å vise hva mennesket gjør mot mennesket ”. Dette er spesielt tydelig i deres vansirede og triste ansikter som sterkt formidler smertene til folket deres..
I denne forstand er hans arbeid sentrert på den menneskelige figuren, med livlige farger og sosiale temaer..
Til tross for å tilpasse arbeidet sitt til erfaringene og teknikkene som kontakt med store kunstnere fra den tiden etterlot ham, opprettholdt han alltid uttrykket for menneskelig følelse på lerretet. I hele hans skapelse kan tre aldre differensieres, som er følgende:
Guayasamín Foundation har klart å samle noen av kunstnerens første kreasjoner, som begynte å male og tegne i en alder av 7 år. Da han kom inn på School of Fine Arts i en alder av 12 år, fengslet han lærere og klassekamerater med sin virtuositet. Allerede i den alderen begynte han å jobbe med det sosiale temaet som senere markerte hele karrieren hans.
Det som regnes som den første fasen er det som kalles den første serien: The Road of Crying.
Denne scenen finner sted mellom 1945 og 1952 og fokuserer hovedsakelig på turen han gjorde med vennene sine i hele Sør-Amerika, der han stoppet for å besøke hver by for å forstå deres virkelighet..
Takket være notatene og tegningene han laget under reisen, testamenterte han verden Huacayñan, eller måten å gråte på, sin første serie med 103 malerier der han fanger problemet med indianere, svarte og mestizos gjennom universelle arketyper som vises i omgivelser med forfedres symboler, som månen, solen og fjellene.
Med all sin universelle symbolske belastning var denne serien den som ga den en plass i verdens kunst.
På dette stadiet som han utviklet i løpet av 60-tallet, demonstrerte Guayasamín at det estetiske innholdet ikke er det som er viktig i hans arbeid, men det sosiale innholdet, budskapet til en mann mot undertrykkelse, vold og lidelse.
Opprinnelsen til denne klagen går tilbake til da en barndomsvenn i livet ble myrdet av undertrykkelsen i Quito. Derfra gjennomførte kunstneren korstoget for å skildre menneskenes vold mot mennesket for å legge igjen et budskap om opprør og kjempe mot fremmedgjøring..
Dette opprøret er tydelig i øynene til hans figurer, som roper på en forandring. Figurene deres har en grimase av smerte til tross for roen de viser, hendene roper på håp. Alt dette reflekteres med enorme vertikale slag for å markere smerten ytterligere.
Med dette arbeidet rystet Guayasamín verden ved å avsløre all menneskets grusomhet i det 20. århundre. Av denne grunn klarte han å stille ut i de viktigste vestlige byene i verden, og forårsaket oppstandelse hos både kritikere og samfunnet..
Denne syklusen begynte på åttitallet som en hyllest til moren sin, en transcendental skikkelse i livet hans, som han erklærte sin kjærlighet og takknemlighet for at han alltid støttet ham..
Denne serien markerer en endring i kunstnerens arbeid uten at dette betyr at figurene, nå roligere enn før, i noen grad mister sitt beskjed om fordømmelse og kritikk..
Tidenhetens ømhet, eller Så lenge jeg lever husker jeg deg alltid, Den består av 100 verk hvis senter er en hyllest til moren hans; faktisk refererer det generelt til morfiguren inkludert Moder Jord.
Dette ensemblet regnes også som en salme til menneskerettighetene. Det er det siste verket som okkuperte ham, fra 1988 til 1999.
På grunn av sin særegne estetiske stil, men fremfor alt på grunn av hans tema fokusert på å etterlate et budskap om opprør og fordømme menneskeheten, klarte Guayasamín med sin kunst å krysse grensene til sitt hjemland Ecuador og innta et hedersted i den universelle kunsten.
Dette var så takket være det faktum at skapelsen hans har en spesiell uttrykksevne for den tiden han måtte leve, for å overføre et budskap som vekket menneskehetens samvittighet og klarte å generere opprørskrik..
Ingen har kommentert denne artikkelen ennå.